Psicología de arte

La psicología de arte es un campo interdisciplinario que estudia la percepción, cognición y características del arte y su producción. Para el uso de materiales de arte como una forma de psicoterapia, ver la terapia de arte. La psicología de arte se relaciona con psicología arquitectónica y psicología ambiental.

El trabajo de Theodor Lipps, un psicólogo de investigación situado en Munich, jugó un papel importante en el desarrollo temprano del concepto de la psicología de arte a principios de la década del siglo veinte. Su contribución más importante a este respecto era su tentativa de teorizar la pregunta de Einfuehlung o "empatía", un término que se debía hacer un elemento clave en muchas teorías subsecuentes de la psicología de arte.

Alcance

Historia

1880-1950

Uno de los más tempranos para integrar la psicología con la historia del arte era Heinrich Wölfflin (1864–1945), un crítico de arte suizo e historiador, cuya disertación Prolegomena zu einer Psychologie der Architektur (1886) intentó mostrar que la arquitectura se podría entender de un puramente psicológico (a diferencia de un histórico-progressivist) punto de vista.

Otra cifra importante en el desarrollo de la psicología de arte era Wilhelm Worringer, que proporcionó un poco de la justificación teórica más temprana del arte del expresionista. La Psicología de Arte (1925) por Lev Vygotsky (1896–1934) es otro trabajo clásico. Richard Müller-Freienfels era otro teórico temprano importante.

Los numerosos artistas en el siglo veinte comenzaron a ser bajo la influencia del argumento psicológico, incluso Naum Gabo, Paul Klee, Wassily Kandinsky, y algo Josef Albers y György Kepes. El teórico de la película y el aventurero francés André Malraux también se interesó en el tema y escribió el libro La Psychologie de l'Art (1947-9) más tarde revisado y republicado como Las Voces del Silencio.

De 1950 presentes

Aunque las fundaciones disciplinarias de la psicología de arte se desarrollaran primero en Alemania, había pronto los abogados, en la psicología, las artes o en la filosofía, persiguiendo sus propias variantes en la URSS, Inglaterra (Clive Bell y Herbert Read), Francia (André Malraux, Jean-Paul Weber, por ejemplo), y los EE.UU.

En los EE.UU, el local filosófico de la psicología de arte se reforzó - y se dio la valencia política - con el trabajo de John Dewey. Su Arte como la Experiencia se publicó en 1934 y era la base para revisiones significativas en prácticas docentes si en el jardín de infancia o en la universidad. Manuel Barkan, el jefe de la Escuela de la Educación de Artes de Artes Finas y Aplicadas en la universidad estatal de Ohio y uno de muchos pedagoges bajo la influencia de las escrituras de Dewey, explican, por ejemplo, en su libro, Las Fundaciones de la Educación de Arte (1955), que la educación estética de niños prepara al niño para una vida en una democracia compleja. Propio Dewey desempeñó un papel seminal en establecer el programa de la Fundación de Barnes en Filadelfia, que se hizo famosa de su tentativa de integrar el arte en la experiencia del aula.

El crecimiento de la psicología de arte entre 1950 y 1970 también coincidió con la extensión de programas del museo e historia del arte. La popularidad de la psicología de la Gestalt en los años 1950 añadió el peso adicional a la disciplina. El trabajo seminal era la Terapia de la Gestalt: Entusiasmo y Aumento de la Personalidad Humana (1951), que era co-authored por Fritz Perls, Paul Goodman y Ralph Hefferline. Las escrituras de Rudolf Arnheim (1904 nacido) también eran particularmente influyentes durante este período. Su Hacia una Psicología de Arte (Berkeley: la universidad de la Prensa de California) se publicó en 1966. La terapia de arte usó muchas de las lecciones de la psicología de arte y trató de ponerlos en práctica en el contexto de la reparación del ego. La mercadotecnia también comenzó a usar las lecciones de la psicología de arte en la disposición de tiendas así como en la colocación y diseño de bienes comerciales.

La psicología de arte, en términos generales, estaba en desacuerdo con los principios de la psicoanálisis freudiana con muchos psicólogos de arte que critican, lo que interpretaron como, su reductivism. Las escrituras de Carl Jung, sin embargo, tenían una recepción favorable entre psicólogos de arte dados su representación optimista del papel del arte y su creencia que a los contenido del inconsciente personal y, más en particular, el inconsciente colectivo, les podrían tener acceso el arte y otras formas de la expresión cultural.

Antes de los años 1970, la posición central de la psicología de arte en la academia comenzó a menguar. Los artistas se hicieron más interesados en psicoanálisis y feminismo y arquitectos en la fenomenología y las escrituras de Wittgenstein, Lyotard y Derrida. En cuanto a historiadores de arte y arquitectónicos, criticaron la psicología para ser anticontextuales y culturalmente ingenuos. Erwin Panofsky, que tenía un impacto enorme a la forma de historia del arte en los EE.UU, sostuvo que los historiadores se deberían concentrar menos en lo que se ve y más en lo que se pensó. Hoy, la psicología todavía juega un papel importante en el discurso de arte, aunque principalmente en el campo de la apreciación de arte.

A causa del interés creciente en la teoría de personalidad — sobre todo en relación al trabajo de Isabel Briggs Myers y Katherine Briggs (los reveladores del Indicador del Tipo de Myers-Briggs) http://www.myersbriggs.org/, los teóricos contemporáneos investigan la relación entre tipo de personalidad y arte. Patricia Dinkelaker y John Fudjack se han dirigido a la relación entre tipos de personalidad de los artistas y obras de arte; los enfoques al arte como una reflexión de preferencias funcionales se asociaron con el tipo de personalidad; y la función de arte en sociedad en luz de personalidad

theory.http://tap3x.net/EMBTI/j7readintro.html

Experiencia estética

Se considera que el arte es un campo subjetivo, en el cual forma y ve ilustraciones de modos únicos que reflejan experiencia de alguien, conocimiento, preferencia y emociones. La experiencia estética cerca la relación entre el espectador y el objeto de arte. En términos de artista, hay un accesorio emocional que conduce el foco del arte. Un artista debe ser completamente en la melodía con el objeto de arte a fin de enriquecer su creación. Ya que la obra de arte progresa durante el proceso creativo, el artista también. Ambos crecen y cambian para adquirir el nuevo sentido. Si el artista demasiado emocionalmente se ata o carencia de la compatibilidad emocional con una obra de arte, entonces esto afectará negativamente el producto acabado. Según Bosanquet (1892), la “actitud estética” es importante en la inspección del arte porque permite que considere un objeto con el interés listo en ver lo que sugiere. Sin embargo, el arte no evoca una experiencia estética a menos que el espectador quiera y esté abierto para él. No importa cómo la obligación del objeto es, es hasta el observador para permitir la existencia de tal experiencia.

En los ojos del psicólogo de la Gestalt Rudolf Arnheim, la experiencia estética del arte acentúa la relación entre el objeto entero y sus partes individuales. Extensamente se conoce por concentrarse en las experiencias y las interpretaciones de las ilustraciones, y cómo proporcionan la perspicacia en las vidas de los pueblos. Menos se preocupó por los contextos culturales y sociales de la experiencia de creación e inspección de ilustraciones. En sus ojos, un objeto en conjunto se considera con menos escrutinio y crítica que la consideración de los aspectos específicos de su entidad. Las ilustraciones reflexionan de alguien “vivió la experiencia” de su/su vida. Arnheim creyó que todos los procesos psicológicos tienen calidades cognoscitivas, emocionales, y motivacionales, que se reflejan en las composiciones de cada artista.

Aplicaciones

Los descubrimientos de la psicología de arte se pueden aplicar a varios otros campos del estudio. El proceso creativo del arte cede mucha perspicacia sobre la mente. Uno puede obtener la información sobre ética de trabajo, motivación e inspiración del proceso de trabajo de un artista. Estos aspectos generales se pueden trasladar a otras áreas de la vida de alguien. Ética de trabajo en el arte sobre todo, puede tener un impacto significativo en la productividad total de alguien en otra parte. Hay un potencial en cualquier clase del trabajo que anima el estado de ánimo estético. Además, el arte desafía cualquier límite definido. Lo mismo se aplica a cualquier tal trabajo que estéticamente se experimente.

Críticas

La psicología de arte puede ser un campo criticado por numerosos motivos. El arte no se considera una ciencia, por tanto la investigación se puede escudriñar para su exactitud y relatividad. También hay mucha crítica sobre la investigación de arte como la psicología porque se puede considerar subjectiverather que el objetivo. Encarna las emociones del artista en una manera observable, y el auditorio interpreta las ilustraciones de modos múltiples. Los objetivos de un artista se diferencian dramáticamente de los objetivos de un científico. El científico piensa proponer un resultado a un problema, mientras que un artista piensa dar interpretaciones múltiples de un objeto. Las inspiraciones de un artista se abastecen de combustible a través de sus/sus experiencias, percepciones, y las perspectivas de los movimientos de Arte mundiales como el Expresionismo se conocen por la liberación del artista de emociones, tensión, presión y fuerzas espirituales interiores que se transcriben a condiciones externas. El arte viene desde dentro uno, y se expresa en el mundo externo para el entretenimiento de otros. Cada uno puede apreciar una pieza de ilustraciones porque hablan a cada individuo de modos únicos — allí sale la crítica mintiendo de subjetividad.

Además, la experiencia estética del arte pesadamente se critica porque no se puede científicamente determinar. Es completamente subjetivo, y confía en la tendencia de un individuo. No se puede fundamentalmente medir en formas tangibles. En contraste, las experiencias estéticas se pueden juzgar "automotivando" y "de cierre automático".

Lev Vygotsky. Psicología de Arte. 1925 / 1965 / 1968 / 1971 / 1986 / 2004.

Bibliografía



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